Segundo a Billboard, o juiz Robert Katzmann proferiu a decisão na quarta-feira (4 de setembro) e determinou que o uso das palavras não constituía violação de direitos autorais. 

Staci Jennifer Riordan, que lidera a equipe jurídica de Nixon Peabody em nome do patrimônio de Biggie e Ora, ficou satisfeita com a decisão de Katzmann .

“Ele está alinhado com o entendimento da maioria das pessoas sobre como a lei deve funcionar”, disse Riordan. “Ninguém deve possuir uma frase, principalmente se eu não estiver usando a frase ou palavras da mesma maneira. Você não deve ser impedido de dizer ‘party and bullshit’ e frases como essa.

“[A decisão] dá clareza aos futuros músicos e artistas sobre o que eles podem divulgar em suas gravações, músicas, filmes, YouTube ou em seu conteúdo.” 

O processo foi aberto pelo membro fundador do The Last Poets Oyewole há vários anos. O icônico jargão consta na música “When the Revolution Comes”, de 1968, que usava as palavras “party and bullshit party and bullshit party and bullshit party and bullshit party and bullshit party and bullshit” como um refrão. 

O BIG lançou “Party and Bullshit” em 1993. A faixa continha amostras de “When the Revolution Comes” citando igualmente “party and bullshit”. Após sua morte em março de 1997, sua representação jurídica licenciou a frase para Ora para seu single de 2012 “How We Do (Party)”.

Oyewole processou Biggie e a Ora por violação de direitos autorais por usar a frase, alegando que ele nunca recebeu royalties. A representação jurídica de Biggie, no entanto, argumentou uso justo. 

Os tribunais inferiores decidiram a favor de Biggie no ano passado, mas a decisão não foi confirmada pelo Tribunal Distrital do Distrito Sul de Nova York até agora.

“Todo o objetivo da violação de direitos autorais é promover a inovação e permitir que as pessoas se expressem”, disse Riordan. “Estamos felizes por poder contribuir para esclarecer a lei e promover a criatividade”.

É isso, Biggie. Pode comemorar daí e ficar bem tranquilo.

Essa semana, em nosso podcast, falamos sobre um dos grandes gênios da produção de rap que invadiram nossos ouvidos com seus inúmeros codinomes: Madlib. E, além dos projetos mais famosos como Quasimoto e Lootpack, vale lembrar dos quase 10 anos em que Madlib dividiu conosco sua imersão nas pérolas da música brasileira não necessariamente famosas mas, artisticamente valiosíssimas: estamos falando de Medicine Show #2 – Flight to Brazil, uma mixape compilando artistas brasileiros da década de 60, 70 e 80, que inclusive nos deu um exemplo a valorizar ainda mais o que foi produzido aqui (ou fora daqui, mas em nome da nossa identidade).

E não esqueça de dar o play no podcast, que ficou muito massa!

A nativa de Snow Hills, Carolina do Norte Marlanna Evans teve muita base para ser MC, além de fã. Assistiu durante sua adolescência artistas como Lauryn Hill, MC Lyte, Queen Latifah, Rah Digga, Missy Elliot (artista qual ela claramente absorveu influência), e desde 2004 resolve escrever suas rimas e seguir carreira no rap. Vivendo em uma zona tecnicamente rural do estado, filha de um mecânico e uma manicure, um dia timidamente mostrava algumas rimas a um cara que de sua cidade que já fazia sucesso, o produtor e DJ 9th Wonder e no outro, fazendo inúmeras participações com caras maiores ainda como Kendrick Lamar em “Complexion”, uma das jóias de To Pimp a Butterfly, foi pra dentro do pesado time da Roc Nation e merecidamente levou uma indicação ao Grammy de melhor álbum de rap do ano passado com Lala’s Wisdom. E, falando em rap e os diálogos em torno, suas rimas criticam  alguns conceitos que, façamos justiça, estão gastos e ainda assim muito presentes culturalmente na música rap: a sexualização dos corpos femininos. Em um patamar lírico digno dos melhores liricistas da atualidade, Rapsody vem em ótimo momento celebrar o feminino e as intersecções entre o hip hop, a literatura, a música e o ativismo negro e as mulheres que foram indispensáveis na evolução das pautas de hoje. tanto que, o mais legal em Eve, é que todas as faixas tem nomes de mulheres negras que, da mesma forma que ela, tinham o mesmo ideal. Vamos falar de algumas delas: 

Nina

Desde a primeira nota, é quase como se a música que carrega os samples utilizados, “Strange Fruit” de Nina Simone, fosse feita para dar à luz “NINA”, a primeira faixa. Enquanto Rapsody canta suas rimas cuidadosamente trabalhadas, a música lentamente se constrói antes que subitamente chegue ao seu pico proverbial

Cleo

O banger contundente, que é aspergido com samples do hit de 1981 de Phil Collins, “In The Air Tonight”, entra em cena em todos os cilindros. A música é dedicada a assaltante de banco Cleo Sims, no clássico do cinema negro Set It Off  (Até as Últimas Consequências, título brasileiro) de 1996, interpretado por Queen Latifah, que também participa de Eve na faixa “Hatshepsut”.

Aqui, Rapsody fala com seus críticos e revela que ela nem sempre se sentiu bem-vinda em uma cultura que ela incorpora sem esforço.

N*ggas  on my label who ain’t want me in the front end/Some sisters in the industry, y’all know y’all was frontin’ (I know it)/Dressed too tomboy,rap too lyrical (You said it).”

Manos no meu selo, que não me querem na linha de frente? Algumas irmãs da indústria (musical), vocês sabiam com quem estavam batendo de frente? (eu sei) / Vestida muito moleque, rimando muito lírica (Você disse isso). ”  

Mas como Rapsody confiantemente transmite, ela não é mais uma escrava das opiniões de outras pessoas – falando disso na proxima faixa:

Aaliyah

“Eu não me importo com o que você tem a dizer sobre mim não mais (Mais)”/ “Double dutchin’ (nome dado à brincadeira de pular corda) quando eu estou falando e minhas costas nas cordas (alusão às cordas de um ringue). 

Rapsody sempre longe de arrumar intrigas na rede ou nas entrevistas, ela sempre foi muito subjugada pela forma que se veste – sempre de tênis e roupas largas – de mesma forma que Aaliyah no começo dos anos 90, onde o apelo aos corpos femininos era também muito forte dentre as cantoras de R&B. E isso em algum momento chegou a interferir no sucesso dela em algum momento. Não, muito pelo contrário inclusive.

E com Eve, Rapsody dá ao ouvinte todas as oportunidades para aprender quem ela é, por ter aprendido e se informado sobre a da vida dessas mulheres poderosas. Em “Sojourner”, com participação de J Cole, define firmemente o Rap em sua própria categoria. Ao longo do caminho, ela rejeita o hedonismo e a ostentação exaltada no rap, e deixa claro que ela ficará bem sem um carrão ou uma mansão multimilionária. E os dois tem bem essa temática mesmo, não tão ligados à exposição do poder econômico.

Ibtihaj – o hit que travou nossas cabeças

Aqui ninguém tava muito preparado pra ouvir samples e refrão de “Liquid Swords” de GZA. Longe de ser um cover ou alusão barata e os vocais de D’Angelo, Rapsody mostra o quão longe pode chegar seguindo suas verdades e, com isso, fazer uma reverência a quem precisou fazê-lo durante toda a carreira. A faixa é em referência de Ibtihaj Muhammad, a primeira mulher muçulmana no time americano de esgrima na Olimpíada de 2016, no Rio de Janeiro. Frente ao tempo que vivemos, é algo extremamente importante o distanciamento ao ódio religioso que assola a comunidade mundial. Além das aparições de Roxanne Chanté, MC do Queens que protagonizou a primeira batalha contra o sexismo no rap (falamos sobre laaa atrás, na edição 19 do nosso podcast) e Mary J Blige, que tem uma história de muita luta para enfim tornar-se uma das soul divas da história. Além de claro, as histórias isoladas dos feats na faixa, D’Angelo que desconstruiu a imagem de de cantor de R&B e tendo seu trabalho de estreia, Brown Sugar como o precursor do que anos depois chamaríamos de neo soul e GZA, junto do Wu Tang Clan que trouxe um respiro e renascimento do que era fazer rap. É muita gente que saiu do nada para iluminar o novo junto em um vídeo só. Assiste e segura as lágrimas:

E quem esteve por New York City no último final de semana, do nada – boom!:

Com participações também de Leikeli47, o promissor que já realidade SiR e o novo queridinho do Stevie Wonder PJ Morton, Rapsody vem em meio a esse mar de lançamentos em 2019 extremamente focada em colocar em suas rimas os motivos e referências que a trouxeram pra dentro do rap e quem é que ela vai continuar chamando, apoiando e servindo de ponte para maiores inspirações na arte e na vida, fazendo com que esse ciclo continue. As mulheres negras.

Dissemos que Eve já é top 5 do ano lá no começo, certo. Ok. Pode anotar.

Desde a meia noite de hoje, os fãs estão matando a saudade de um dos grupos que fez sucesso e bateu forte aqui pelo Brasil – o trio da Carolina do Norte, Little Brother lançou o literalmente inesperado álbum May The Lord Watch, pegando todo mundo no contrapé. Mas desde fevereiro de 2003, o seu álbum de estreia The Listening garantiu lugar na lista dos mais queridos dos ouvintes de rap, chamado de “underground” na época. Não que tenha ficado no passado ou com tom nostálgico, até porque as rimas de Phonte e Big Pooh em cima das batidas criadas pelo gênio dj 9th Wonder são tocada até hoje nas festas de rap mas, de fato o The Listening é sempre citado pelos fãs como um trabalho extremamente inovador na época.

Após um hiato de quase 10 anos, onde cada um dos 3 integrantes foi cuidar de seus projetos paralelos dentro e fora da música (9th Wonder virou professor na North Carolina Central University, Big Pooh virou comentarista esportivo e Phonte elevou o nível tanto em seus álbuns solo como em suas parcerias com Foreign Exchange e com o cantor Eric Roberson) e, umas semanas atrás fomos surpreendidos por um mini-doc contanto passagens do começo do grupo e as gravações de The Listening.

Como obviamente fazemos parte de quem AMA esse trabalho, juntamos aqui uma série de depoimentos sobre a densidade e importância de The Listening – olha isso:

Von Pea (membro do Tanya Morgan): Deve ter sido em 2000 quando eu ouvi The Story of U.S. (Unheralded Symmetrics) o álbum de comédia do Phonte e do produtor Eccentric. Phonte enviou essa parada no Napster para eu ouvir e me lembro de perguntar a ele: Onde foi que você fez isso? e ele dizia: Nós fizemos isso em casa! E isso era um grande negocio em 2000 para fazer músicas em sua casa.

Khrysis (produtor,engenheiro de som e representa The Away Team/Justice League): O primeiro som que ouvi do Little Brother foi Speed e eu não estava envolvido na equipe do Little Brother na época. Eu não estava envolvido no grupo, pois vivia fazendo a conexão Durham/Winston para a escola. Quando voltei para casa comecei a andar com Ann Missie (Patrão da Justus League) e assim comecei a me envolver mais com a galera.

DJ Brainchild (DJ, Gordon Gartrell Radio): Von Pea enviou pra mim algumas músicas do Little Brother como “Whatever You Say,” “Speed,” “Away From Me,” e o instrumental de “The Love Joint” (Revisted) e eu prestei a atenção nos beats do 9th Wonder e depois prestei atenção nos versos do Pooh e do Phonte. Não sabia que esses caras estavam com tudo na época e o resto é historia.

Khrysis: Durante a realização do Listening, eu não estava em todas as sessões, mas eu estava lá quando fizeram Home. Eu era o mais jovem da equipe,morei com Joe Scudda e 9th Wonder por anos. Cesar Comanche morava na mesma rua. Mandamos algumas demos para o ?uestlove (membro do The Roots) Eu estava timido na hora de mandar as demos pra ele. Depois disto tudo posso lhe afirmar que nunca tinha dado autografos, tirar fotos ou algo do tipo. The Listening do LB é louco! Só posso dizer isto.

Pete Rock (Produtor, DJ nosso herói vivo): The Listening me fez viajar! Meu irmão estava me contando sobre eles e ao mesmo tempo falando com eles no telefone. Eles estavam em N.Y e vieram até a minha casa, um monte de caras da Carolina do Norte. Uns dormiam no chão e outros no lugar aonde eu fazia uns beats. Eles estavam animados assim como eu estava animado, pois esses caras se inspiraram em coisas que eu fiz no passado.

Rapper Big Pooh (Membro do Little Brother): Ser elogiado por ?uestlove e Pete Rock é tipo ser um jogador de Basketball e ser elogiado pelo Michael Jordan. Na época era tipo assim: “Whoa eu estou aqui com Pete Rock momento mágico em minha vida” e todos na época perguntando pra mim como era Pete Rock , se eu ando direto com ele ta ligado? Foi muito legal ter ficado na casa do Pete aprendemos muito com ele.

Phonte (Membro do Little Brother): Nós somos abençoados por ter esse talento de fazer música, chegamos cedo no estúdio e sentimos que temos responsabilidade no que a gente coloca no papel. Quando os artistas estão em estúdio fazendo música, alguns podem pensar: “Ok o que a rádio vai achar disto?” Enquanto nós pensavamos desta forma: “O que Pete Rock vai achar disto?” Eu não quero fazer nada que me faça mal. Eu quero que as pessoas escutem as nossas paradas e digam: Caramba!! esse som do LB é muito foda papo reto!

?uestlove (Membro do The Roots e monstro da bateria): Eu sempre achei que esses caras chegaram na hora certa.
Eles são funky, eles reveleram toda a sua negritude e reascenderam a massa do HipHop. Eles tem o mesmo senso de humor que o De La Soul . Eu acho que há uma maneira de ser bem-humorado, mas sem perder a sua dignidade.
A maioria dos grupos de hip hop são engraçados,mas igual Little Brother e De La Soul não tem.

Khrysis: O Hip Hop naquele momento estava perdendo a sua alma lentamente. Ai chegaram esses caras de Durham e Raleigh (Carolina Do Norte) um lugar aonde as pessoas achavam que não existia hip hop, ninguém usava equipamentos, Fomos os primeiro a usar Fruity Loops e Cool Edit. Naquela época a MPC era a moda, mas se você ainda não teve uma MPC ou algo parecido, você não estava fazendo nada. Mas agora todos querem usar Fruity Loops. Mano, vejo que toda a indústria passou a fazer os beats no computador depois de um tempo.

ILLMIND (Produtor): Eles realmente atingiram um acorde e preencheram um vazio que existia no Hip Hop naquele momento. Pra mim, eles trouxeram o puro Hip Hop de volta e meio que definiram o movimento Native Tongues e introduziram uma nova geração para aquele movimento. Foi um bom momento onde eles estavam carregando a tocha para a boa música, boas letras e bons beats, tudo em um só.

Evidence (Membro do Dilated Peoples): A primeira vez que ouvi falar do Little Brother foi através do linha de frente da ABB Benni B que disse que estava assinando com eles.

Rapper Big Pooh: Foi a nossa primeira vez em Cali e me lembro que Benni disse que nos iamos trombar o Evidence. Foi muito legal aquele dia.

Evicence: Me lembro que naquele dia Benni estava de carro no rolê com eles em L.A, eles conheceram tudo e ficaram sabendo de tudo que rola em L.A . Eu estava em minha casa, e ouvi o Benni gritando tipo: “Yo eu estou aqui embaixo com o Little Brother desça aqui.” Mas não era uma boa hora para eu descer pois eu estava em uma discussão com um outro maluco no meu apartamento e então Benni ligou pedindo para eu descer logo, dai eu apareci na janela e disse que não era uma boa hora para descer. Acho que os caras do Little Brother me acharam um perfeito idiota. Mas eu não desrespeitei eles.

Rapper Big Pooh: Nós falamos assim: “Deixa esse bosta pra lá! ” (risos) mas depois nós conhecemos ele melhor e está tudo certo.

Phonte: Passamos por um monte de coisa naquele momento, que serviram bastante no nosso processo como artistas. Naquela época tinha sempre coisa errada rolando, mas nós não tinhamos a malicia de chegar e falar um montão Agora somos mais maduros ninguém passa a perna na gente mais.

Phonte:: Eu estava sempre procurando maneiras de fazer uma performance bem bacana. Gostaria de fazer shows para platéias que não são necessariamente nosso público e isso aconteceu. Me lembro quando nos abriamos shows do Cypress Hill e olhavamos para a platéia e tinha mexicanos com várias motos, vários doidões na platéia e nós achavamos que seriamos vaiados por eles, mas não foi isso que aconteceu eles agitaram com a gente até o final da nossa apresentação. Foi deste jeito que conseguimos um outro público.

ILLMIND: Fiquei animado pelo grande passo que eles deram na carreira deles e eu torcia por eles desde o primeiro dia e fiquei mais feliz quando soube que eles causaram um impacto no movimento e em seguida chamaram a atenção de uma grande gravadora.

ILLYAS (Membro do Tanya Morgan): Foi muito louco ver o que eles estavam fazendo, pois eles abriram muitas portas para quem queria fazer algo igual ao deles.

Evidence: Pra mim, Ministrel Show foi um passo muito maior do que o primeiro álbum deles. As vozes estavam misturadas, os interludes do álbum ficaram sensasionais e pra mim o álbum é completo. e Lovin It é um clássico.
VON PEA: Eu me lembro de ter falado com o 9th antes do Ministrel Show sair e ele me disse assim: “Ae maninho, é complicado quando eles ficam com inveja de nós por estarmos conquistando o nosso barato na cidade deles. Eles acham que queremos tomar a cidade de assalto, mas não é isso que queremos, nós queremos só criar os nossos caminhos.”
DONWILL (Membro do Tanya Morgan): O primeiro hit single dos caras tinha o mano Joe Scudda. Eles respeitam todos que podem chegar com eles em uma missão. Meu primeiro cheque que eu ganhei com o rap foi participar de uma sátira sobre Ministrel Show. Agradeço sempre esses caras.

Khrysis: Watch Me (Ministrel Show) foi a produção que abriu portas pra mim e por isso destaco que esta é a canção mais importante na minha carreira.
Eu não sabia que esse beat ia entrar no Ministrel Show, mas eu sabia que ela poderia entrar no álbum solo do Pohh “Sleepers” (Álbum que gosto de ouvir) e depois 9th me chama e diz que queria regravar uma canção sobre o beat que eu fiz usando o sample do Michael Jackson. Eu disse: “Pela ordem pode usar é noiss… ”

Phonte: Eu me lembro de estar navegando na internet e vi uma entrevista do Bun B dizendo que estava ouvindo o Ministrel Show porque falaram pra ele que estavamos desrespeitando ele em umas músicas. Como eu podia desrespeitar Bun B? Acho que o maluco que falou pra ele entendeu errado a mensagem que queriamos passar, onde eu falei que se um cara do rap estiver vendendo droga nas ruas eu iria me preocupar com a pessoa, mas eu sei que este não é o caso do Bun B . Bun viu que não tem nada a ver com ele aquela rima.

Evidence: Eles lançaram uma mixtape com o Dj Drama enquanto nós estavamos juntos em turnê. Eles arrebentaram na mixtape e muitos caras gravam mixtapes horriveis e não foi o caso deles Drama ta ligado que não foi o caso deles (risos)

?uestlove : Quando eles foram até Philly e dei um monte de conselhos pra eles, compartilhei com eles tudo o que eu sabia com esses longos anos de sobrevivência do The Roots. Eu falei pra eles fazerem projetos paralelos eu disse a eles que poderia haver um ponto foi o que aconteceu com Slum Village que poderia haver algum interesse ou atração gravitacional de algum membro do grupo e disse a eles que eles tem que superar aquilo o mais rápido possivel e usar isso sempre ao favor deles. Se 9th se envolver com outros artistas disse para eles considerarem aquilo como uma vantagem e não uma ameaça.

?uestlove: Eu troquei uma ideia com a 9th e disse pra ele não fazer a mesma coisa que o Dilla de só ficar em casa fazendo beats. Todos os beats dele estavam em um lap top então você não tem desculpa. Você precisa ir lá fora, dar entrevistas, pois vocês são um grupo e tinham que estar juntos.

Pete Rock: Eu falei mais com o 9th do que eu falei com o Pooh e o Phonte. Eu adoraria ter conversado mais com os três. Eu já estou acostumado com este tipo de coisa, como ver os grupos se desmontando porque as pessoas não conseguem conviver uma com as outras.Todos tem as suas ideias e não podem sempre trabalhar no que o produtor quer fazer.Eu não falei mais com os rappers do que eu falei com o 9th. Eu não queria me intrometer nesta parada, mas eu poderia deixa-los com a mente aberta.
NICOLAY(Produtor do The Foreign Exchange): As pessoas fantasiam muito sobre um grupo e como os membros são. Acham que é só festa, fazer churrasco na beira da piscina e não é sempre assim. Esse tipo de expectativa afetou a Justus League, pois todos esperavam que eles eram um coletivo muito forte.

NICOLAY: Nunca falei com Phonte sobre isso porque eu não era do grupo, mas no meu ponto de vista, eles começaram como um trio,mas 9th fez muito barulho com as suas produções onde outros artistas como Jay-Z se interessou pelos seus beats. E foi por isso que ele não esteve tão presente no processo do GetBack ,pois ele já tinha saido do LB.

DONWILL: Me lembro quando saiu o GetBack e eu estava em um ponto que não queria saber de mais nada até que eu fui em uma festa do LB e estava rolando o novo álbum e conversei com o Phonte e com o Pooh e eles fizeram eu voltar a todo o vapor. Se a indústria da música não é pra você ela te chuta pra fora, mas se for pra você eu vou lutar e permanecer nela.

?uestlove: Eu poderia falar que a mensagem da música Good Clothes foi feita pra mim e para muitos outros que passaram por esse cenário.

ILLYAS: GetBack é um álbum muito foda! todos que ouviram o álbum aprovaram a parada. Foi muito louco!

Phonte: Get Back com certeza foi o meu álbum favorito! Se o Little Brother acabou ali eu mandei muito bem no álbum. Foi onde eu me tornei um homem de verdade, fiz umas rimas loucas e eu me tornei o artista que eu queria ser nesse álbum.

Rapper Big Pooh: LeftBack foi feito para os fãs. Isso não quer dizer que eu e o Phonte não vamos fazer mais músicas, nós só estamos terminando o capitulo do Little Brother.
EVIDENCE: Um dos maiores grupos que já ouvi e queria ver uma reunião deles mais pra frente.

Phonte: Eu e o Pooh somos o oposto em vários aspectos, pois eu sou música 24 hrs por dia e ele ama esportes eu odeio esportes. E nós nos respeitamos muito e por isso que nossa amizade nunca irá morrer.

?uestlove: O lançamento do The Listening foi um momento mágico em minha vida, pois era o novo capitulo do Soulquarians. Ficou claro que Erykah, D’Angelo, Mos,Talib, Common e os Roots adoraram esses caras da Carolina do Norte. Fiquei feliz de ver esses caras levando o hip hop para um outro nível agora temos esses maninhos Cudis e Drakes fazendo o seu lance e representando muito bem a parada.

E quando nós estivermos em condições de pensar friamente, vai rolar resenha do May the Lord Watch também…

Com Mos sendo um MC/ator/cantor/produtor, a expectativa sempre é de um álbum pouco ortodoxo, cheio de experiências e versatilidade. Neste ponto, The Ecstatic é extremamente verdadeiro. As batidas são variadas, indo desde os samples indianos de Madlib até o post-hip-hop de Georgia Anne Muldrow, passando pelo soul brasileiro da Banda Black Rio. Como se não bastasse, Mos Def arruma tempo para rimar em espanhol e árabe, cantar, recordar sua vida e dar uma ponta de esperança aos fãs com um dueto como antigo parceiro Talib Kweli. Como dá para perceber, o disco tem um monte de referências, nem sempre convergentes, que o transformam em um grande mosaico musical.

Dentro deste caldeirão de influências, o lado oriental atinge uma certa proeminência. Além dos samples indianos e das eventuais falas árabes, Mos Def vai fundo na questão do Oriente Médio em “Wahid”, comparando a vida no local àquela levada na cidade – atenção especial no início trava-língua do flow de Mos. “Supermagic”, a faixa inicial, combina guitarras roqueiras a samples vocais da Turquia a um contundente discurso social, que inclui novamente alguns aspectos da região.

Além de afiar um discurso mais político, Mos também investe na introspecção. O primeiro single do disco, “Life In Marvelous Times”, é uma narrativa do emcee sobre sua vida que depois encontra divagações sobre os tempos atuais para terminar numa conclusão à la carpe diem: “É assustador pra caramba, mas não há dúvida / você não pode estar vivo em outro momento, além de agora”. Ironicamente, a letra mais séria contrasta com o beat radiofônico, com sintetizadores e um sample meio épico para dar a noção da batalha que foi a vida de Mos. A espanhola “No Hay Nada Mas” segue pelo mesmo caminho, mas funciona mais como o ponto de encontro entre o pessoal e o social no discurso do emcee.

Musicalmente, The Ecstatic, como dito acima, é um grande caldeirão com ingredientes do mundo inteiro. “Auditorium”, com Slick Rick, usa trilhas sonoras de Bollywood para trazer à tona o melhor beat do disco, que já havia aparecido num volume do Beat Konducta de Madlib. “Roses”, com Georgia Anne Muldrow, é uma mistura de R&B com jazz muito bem executada, com Muldrow emprestando seus talentos vocais para a faixa. “Casa Bey” vem beber em fontes tupiniquins, absorvendo todo o suíngue do soul brasileiro dos anos 70. Depois de viajar o mundo através da música, Mos volta aos EUA em “Priority”, com uma bateria reta à la RZA (Wu-Tang Clan) dividindo espaço com um soul ao estilo Kanye West (no começo da carreira, claro). Já “History” é um instrumental de J Dilla, compartilhado com Talib Kweli, armado com samples vocais, pequenos toques de guitarras e outros instrumentos de corda.

(quem tava no último indie hip hop em 2009, lembra…)

Por um lado, Mos Def não ofereceu outro clássico a seus fãs ávidos. Mas, se for feita uma análise mais realista, discos com este status são exceção, e não regra. The Ecstatic é um álbum com qualidades, cheio de influências, que vai agradar aos apreciadores com uma mente mais aberta. Poderia ser mais consistente, sem tantos altos e baixos, claro, mas ainda assim merece ser ouvido com bastante atenção, sobretudo pela busca por novas direções dentro do rap.

Perto dos seus primeiro 10 anos, Kamaal The Abstract é mais uma peça do clube de álbuns que foram para a gaveta e ainda assim exercem uma certa mística em fãs sedentos por boa música. Idealizado por Q-Tip logo após sua estreia solo, Amplified, o disco tinha o nome original de Abstractions, mas não viu a luz do dia porque foi considerado pela então gravadora de Tip, Arista, de pouco apelo comercial. Foi necessário o sucesso de The Renaissance em 2008, para criar uma cama de recepção boa para que o terceiro trabalho solo do líder de A Tribe Called Quest chegasse oficialmente às ruas.

Por um lado, a Arista tinha razão em não achar muito apelo comercial no disco. Por outro prisma, é notório que capacidade de vender não é sinônimo de boa música – e o mar de artistas da cena alternativa é um bom indicativo disso. Kamaal The Abstract é exatamente o que o título sugere: uma abstração de Q-Tip, que mostra mais uma vez sua intimidade com a produção. Depois de inovar com o jazz-rap no ATCQ, ele criou um álbum massivamente divulgado na época, apostando bastante na instrumentação – toda conduzida por ele, importante registrar.

A direção que Tip dá ao álbum mostra duas outras facetas daquele conhecido originalmente como rapper. A primeira, de instrumentista, certamente pega muitos fãs de surpresa e mostra que Kamaal tem uma relevância na cena muito maior do que parece. O outro lado é o de cantor, o que digamos que não seja exatamente o ponto forte de Tip, mas que acaba servindo perfeitamente ao propósito do disco. Estes dois ingredientes alcançam o mesmo nível de proeminência das rimas, apenas eventuais neste disco.

O resultado de toda essa abordagem são faixas cheias de suíngue, com longos solos instrumentais e uma levada jazzy bastante influente na construção das batidas. A extensa “Do U Dig U?” é talvez o melhor exemplo, com participação dos instrumentistas Gary Thomas (saxofonista dos brabos, trabalhou com Miles e John Coltrane, somente) e Kurt Rosenwinkel (guitarrista que já acompanhou dentre vários nomes, Wax Poetic e Eric Clapton) provendo o background para a cantoria arrastada de Tip. As coisas ficam mais agitadas e dançantes em “Barely in Love”, possivelmente a melhor performance vocal do disco, com percussões latinas dando o ritmo da faixa, que ainda conta com um solo de guitarra. “Abstractisms” é a parte mais rap do trabalho, com Tip mandando dois versos sobre o sax de Kenny Garrett.

Com tanta atenção à musicalidade, as letras acabam não sendo o carro-chefe do álbum. Ainda assim, Kamaal tem tempo para contar as agruras de uma jovem mãe para sobreviver e dar um bom futuro para a filha: “Ela trabalha no Mc Donald’s das 9h às 17h, no Wall Mart das 18h às 22h / economizando o que pode para a escola, sua garota está indo bem“. A temática, inclusive, parece ligeiramente voltada para o sexo feminino, algo recorrente em Q-Tip desde os tempos de “Bonita Applebum”. “Barely in Love”, por exemplo, é um conto ao estilo Bonnie & Clyde.

No fim das contas, Kamaal The Abstract é um álbum que nem deve ser classificado somente no gênero rap. Soa mais como uma espécie de hip hop progressivo, uma confluência entre o ritmo e a poesia das ruas com a elegância do jazz, numa nova classificação. A ousadia de Tip em misturar tantas referências de uma forma não clichê acaba enriquecendo bastante o resultado, e deixando um legado a ser explorado para os novos arquitetos da música negra. Talvez este disco seja apenas um primeiro passo, um teste de laboratório para algo ainda maior sendo preparado nas esquinas do Queens, em Nova York. Mais uma cortesia de Jonathan Davis a.k.a. Kamaal.

Patrick Baril (esq) ao lado do rapper Action Bronson

A maioria dos leitores já deve ter ouvido falar no DJ e produtos Statik Selektah. De nome Patrick Baril, iniciou sua carreira de Dj e radialista em Boston e  logo surgiu a princípio como um protegido do DJ Premier, saiu da sombra do seu mentor e tornou-se um dos produtores mais prolíficos da cena norte-americana. Statik trabalhou com um número enorme de MCs, tanto no underground quanto do mainstream, e nesse terceiro disco Statik segue convidando um time de peso para rimar sobre suas batidas igualmente pesadas. Nas duas oportunidades, foi mais uma coletânea de rappers sobre os beats de Statik do que propriamente um disco. Porém, na sua terceira obra, 100 Proof The Hangover, parece que o beatmaker nova-iorquino acertou a mão, e comprovou de vez sua evolução.

Finalmente, a sensação é de que estamos ouvindo algo direcionado, pensando, e não apenas faixas aleatórias. Statik emprega um clima sombrio que permeia todo o disco, apostando em batidas fortes e a meio tempo, com uma ou outra mudança de direção ao longo do álbum. Para esta missão de retratar as ruas de Nova Iorque, nada melhor do que um apanhado dos mais contundentes representantes do local, desde veteranos, como a dupla Smif-N-Wessun, Kool G Rap, Lil’Fame (metade do M.O.P.) e Sean Price, até a nova escola da época – Saigon, Skyzoo e Termanology. Acrescente isto a veteranos e promessas de outros lados dos EUA – Bun B, Wale, Evidence e Fashawn, por exemplo – e você terá um elenco de primeira linha do rap estadunidense, e uma oportunidade de ouro para Statik permitir-se mover seu som para além das fronteiras nova-iorquinas.

De fato, todos os MCs convidados têm grande perfomance. Skyzoo simplesmente domina “Get Out” com um verso tão espetacular quanto a própria batida; Lil’Fame também é responsável por um dos melhores momentos do álbum em “Critically Acclaimed”, com rimas espirituosas como: “Se eu te perguntar seu Top 10 de rappers, mortos ou vivos / e você não me mencionar, eu vou escurecer seus olhos” ou “Os caras não vão dar os meus créditos / então aqui vai um monte de palavrões para vocês editarem: vão chupar um pau, suas vadias de merda / vocês estão mexendo com os guerreiros de Brownsville”. Mais hardcore do que isso, impossível. Entretanto, é Termanology quem rouba a cena; o jovem MC é o que mais aparece ao longo do disco e mostra uma forma impecável – particularmente em “Come Around”, num show de lirismo e técnica.

Consistência também é a chave para descrever o trabalho do anfitrião Statik Selektah. Embora ele ainda encontre tempo para pancadões ignorantes como a supracitada “Critically Acclaimed”, com um loop viciante, ou “Do It 2 Death”, “100 Proof The Hangover” é claramente um disco mais sutil do que poderíamos esperar do histórico do produtor. Faixas como “So Close, So Far” e “Come Around” mostram um pouco desta tendência. A primeira tem até refrão cantado, e conta com vocais acelerados e um saxofone aqui e ali para dar um tempero a mais, enquanto a segunda recorre também a samples vocais e saxofones, mas de uma forma muito mais presente no mix. “The Thrill Is Gone” é outro destaque, com seu clima jazz-rap e colagens de Biggie.

Depois de alguns anos ralando para valer, seja com mixtapes ou produzindo para diversos rappers, Statik finalmente parece alcançar sua maturidade artística. 100 Proof The Hangover é exemplo disto, com um som mais refinado, um estilo melhor definido e algumas das melhores faixas já lançadas em 2010. Sua forma recente de contribuições já mostrava que estaríamos diante de um ótimo álbum, e isto se confirmou. A seguir neste ritmo, Statik vai rapidamente entrar naquela lista de produtores que nunca nos desapontam.

Pra quem está acompanhando tudo em torno do live-action de Rei Leão e o universo pop, deve ter dados algumas centenas de plays em The Lion King: The Gift, álbum lançado no susto por Beyoncé que incrementa a experiência de imersão no life-action do sucesso da Disney e, se já estavam conhecidos, agora vão estar bem presentes nas playlists de todos. E sim, nossas apostas estavam corretas: é na música que toca hoje nos países africanos, que o pop vai se basear.

E olhando bem para todos esses artistas que participaram de The Gift, resolvemos te chamar atenção sobre alguns nomes que estiveram nas tracks até mesmo sem Beyoncé em alguns casos, mas que já estão bombando nos falantes há uns 2 ou 3 verões nas grandes cidades americanas e europeias:

Salatiel

Fazendo feat com Pharrell na faixa WATER, o camaronês Salatiel – astro no seu pais. Segura uma gravadora nas costas, a Aplhabetter Records, responsável pelo lançamento de vários outros artistas no país, se tornando um dos novos expoentes da música africana:

Yemi Alade

E claro que não se trata de um empurrão artístico, a seleção de feats para The Gift. A cantora de Abia, sudeste da Nigéria já junta em 5 anos de carreira vários sucessos e um 1 milhão de inscritos no YouTube. Começou a carreira com compilando músicas de artistas de Gana, Africa do Sul e Quênia chamada King of Queens, em 2014. E nessa atividade forte nas redes, te convido a gastar uns bons minutos na hashtag #bouncechallenge no Instagram. Pe-sa-do. E ela representou no possível hit do álbum “Don’t Jealous Me”, junto dos também grandões Tekno e Mr Eazi.

Moonchild Sanelly

A sul-africana de Porto Elizabeth já roda o mundão tem um tempo. Além dos cabelos sempre azuis sua música cheia de mensagem de levante feminino ganhou a alcunha de future ghetto funk, um ritmo claramente de linhas com linhas de baixo bem gordas tocando fácil em qualquer pista do mundo; até porque ela já incendiou palcos fora do continente, como o Primavera Sound em Barcelona e o SXSW em Austin, Texas (onde também estivemos esse ano com Luedji Luna e Karol Conká)

Bubele Book

Queremos também levantar os talentos que participaram não só no microfone. O afrowave ou afrobeat, não importa como tenha se apresentado para você tem carrega muito da postura e identidade visual dos cantores de rap e r&b, mas ele traz muito do dos ritmos de tribo, é um rackeamento do que é feito no ocidente e vendido de volta com todo esse boom que tá rolando. E isso se deve obviamente pela leitura dos bons beatmakers que, nem sempre com os mesmos recursos de um grande estúdio possa oferecer.

Foi o caso de Bubele Booi, que durante sua graduação em música na Universidade da Cidade do Cabo recebeu a ligação para entregar o beat incrível de “Find your way back”, uma track que vai muito de encontro com a narrativa de Simba no filme, e particularmente um ritmo que foi legal ver a Beyoncé cantar – um dos resultados mais vendáveis do novo pop africano. A house music. Bem parecido com o que ouvimos por aqui através de nomes como Bas e Goldlink.

E falando em house e Africa, não poderíamos perder uma ressalva complementar…

Niniola: se não ouviu, deveria…

Em primeiro lugar, entendemos que aqui no Brasil tivemos uma apresentação mal feita da house music. O que foi enviado para cá foi guardado e mantido dentro de uma casta, uma única vertente e talvez a pior delas (a comercial) desde os anos 80. Claro que muita gente séria carrega a bandeira da house music no Brasil mas, gostamos de lembrar uma das premissas desse coletivo: entender melhor todos os cenários em torno de ritmos urbanos e pretos no mundo todo. E é o caso da house music, no mundo todo. Existe uma retomada da identidade periférica na house music, mesmo sendo ela responsável por movimentar milhões de dólares no mundo todo, na África do Sul e Nigéria mora o que podemos chamar de movimento renascentista da house music.

Entre produtores e cantores, quem tá defendendo esse movimento perfeitamente e com louvor é a cantora natural de Lagos, capital nigeriana é Niniola Apata. E sua contribuição para a música exportável do continente africano já rende tanto que até a premio na BET Awards ela foi indicada. Pra quem gosta do afro-house (a nós aqui no Frequência, pleonasmo) já ouviu a incrível “Bana” em algum set ou vídeo de dança pelas redes sociais:

A parte maravilhosa das redes sociais é transportar e unir gente boa no que faz para passos maiores. Através do Instagram, a música de Niniola chegou nas mãos de quem está acostumado também a quebrar paradigmas e buscar outros patamares sonoros: SIM, estaremos vivos para ver o produtor, gênio e alien Timbaland produzir beats de house. Um vídeo lançado na semana passada do que eles estão montando travou a cabeça e encheu todo de curiosidade:

Ver essa foto no Instagram

 

@officialniniola just getting started‼️

Uma publicação compartilhada por Timbo the King (@timbaland) em 21 de Jul, 2019 às 9:40 PDT

E Drake (atento) também está sondando colaboerações com Niniola, assim como já fez com Jorja Smith em “Get it Together”. E justiça seja feita, ele ajudou bastante nessa retomada da house music.

Segundo aviso: o pop mundial vai beber do que a África produz. Presta só atenção. Futuro pintado ontem, realizando-se hoje. E de nada. Até semana que vem!

Provavelmente vocês estão comentando (deveriam, só uma opinião…) sobre a capa da Marie Claire americana desse mês com Missy Elliot. Tá linda? Sim, tá muito. Penando nisso, resolvemos fazer uma viagem de volta aos anos 90, onde nomes que qualquer um que se considera um fã do gênero deve conhecer e respeitar: Lil ‘Kim, Queen Latifah, MC Lyte, Lauryn Hill e principalmente ela, Missy, no lançamento de seu primeiro álbum solo, Supa Dupa Fly.

Ninguém pode dizer com certeza, mas por algum motivo, um estigma negativo é prontamente e injustamente associado a rappers femininos na maior parte do tempo. Mas a partir do lançamento dessa obra, proporções novas quanto a texturas, métricas de rima e principalmente identidade visual de uma artista de rap. Inclusive, olhando para artistas muito respeitadas hoje como Leikeli47, Rapsody e Lizzo, tem MUITA coisa de Missy Elliot.

O rap sempre conhecido como um gênero musical inegavelmente dominado por homens contando histórias de suas sobre baladas, drogas (oscilando entre o combate e o abuso), sexualização dos corpos femininos, violência e disputa de territórios nas quebradas, e qualquer outra coisa considerada digna (?) a se colocar em uma letra. Pouco espaço é deixado aí para as artistas mulheres no rap sob este holofote, infelizmente típico. Mas em 15 de julho de 1997 foi diferente.

O álbum chegou em um momento em que o hip-hop havia começado a atrair grande apelo mainstream e estava atravessando toda e qualquer fronteira étnica. Não importava a sua raça, idade ou posição social; hip hop passou a ser o mais cool e rico financeiramente dos gêneros musicais e ponto. Era hora das mulheres mostrarem que o hip-hop poderia ser feito ao mesmo tempo sexy e badass. O álbum de Missy é definitivamente a manifestação dessa ideia. Combinado com uma produção musical desconhecida, sonoricamente diferente, mais rápida, cheia de elementos específicos e com poucas associações com o que se praticava no boom-bap e gangsta. Feito por um cara da Virgínia – um tal de Timbaland – e as rimas inventivas emitidas a partir de uma voz maravilhosamente suave, tornou-se a fórmula para algo revolucionário.

Este álbum alterou o curso do hip-hop e do R&B para sempre, de uma maneira que ninguém poderia ter visto. As rimas de Missy eram inteligentes, libertadoras, engraçadas e acima de tudo únicas. Seu flow parecia saltar para a exata cadência digitalizada dos instrumentais irregulares de Timbaland – como dissemos acima, não era mais aquele recorte de sample de James Brown ou The Gap Band, inserido em sequências de bumbo e caixa lineares, constantes. Também é importante notar que, neste momento, especialmente, Timbaland estava fazendo coisas dentro de batidas que nenhum outro produtor tinha sequer começado a experimentar. Desafiar descaradamente uma artista feminina de hip hop a se descolar da expectativa do mercado era revolucionário por si só.

A batida forte da bateria em faixas como: Izzy Izzy Ahh”, “Why You Hurt Me” ou “I’m Talkin'” puxava as pessoas a dar uma bela aumentada no volume do som do carro. Missy poderia construir hits mais rápido do que qualquer artista que você pudesse pensar. Ela poderia cortar o ar para sua voz gritante no final imediato de qualquer palavra com a mesma facilidade com que eleva seus vocais de forma mais harmônica em “Don’t Be Commin (In My Face)”.

Missy ofereceu uma ótica em oposição a mesmice habitual do hip-hop americano, de homens se vangloriando de proezas sexuais e a coleção de carros e inimigos na rua. Ela fez uma das mais interessantes canções sobre sexo de todos os tempos, muito graças a Timbaland. “Sock It To Me” começa com som de trompas e evolui para uma justaposição do pesado e do suave. Uma batida pesada acompanhada por letras misteriosamente íntimas sobre se querer sexo casual – e sobre a ótica feminina! Sua versatilidade é facilmente perceptível ao ouvir todo o álbum. Ela pula de improvisação lenta para eclética pop para gangsta como se não houvesse separação entre eles. O resultado é uma coerência e Inteligência em utilizar de todos os elementos e estilos de rap e de vocais praticados no R&B, enquanto que o estigma negativo feminino do rapper sumia diante dos olhos de todos.

E pra quem achava que passaria batido: Não né…?!

A coisa que mais entortou a cabeça de todo mundo. Uma lente fish-eye na câmera, um compressor de ar acoplado na roupa, uma picape Hammer amarela – e a consequente explosão na procura por compra. Aparições de nomes grandes já na época como Taj do SWV, as meninas do Total, Lil’Cease e Lil’Kim, que eram as preciosidades da Bad Boy Records junto de seu mentor e “chefe” Puff Daddy, além do próprio Timbaland e a rapper Da Brat. Vários prêmios e o um senhor case de sucesso para o jovem produtor de vídeo Hype Williams. Sim, é impossível falar de Supa Dupa Fly sem mencionar o hit dos hits dentro dessa obra. Até hoje, ninguém passa despercebido por “The Rain”. Que hit, que hit!!!

Claro que hoje em dia gênero já deixou de ser variável quando se fala de talento de um artista, a música não conhece esse papo gênero. Em vez de dizer: “Ela é uma das melhores rappers” femininas “de todos os tempos!” Só sei que a palavra “rapper” sozinha vai funcionar bem. Que essa conversa sirva pra, além de entender o que inspirou tantas artistas do rap e R&B de hoje, é muito também do por quê marcas como a Adidas por exemplo, se reaproximaram da cultura urbana nos anos 2000. Sua tia Missy deve lançar trampo novo daqui a pouco, e nós aqui ficaremos com o radar ligado. Até semana que vem!

Depois de muitas brigas internas, adiamentos, questionamentos, desistências, reformulações e todo o tipo de obstáculo possível, eis que o tão aguardado “Only Built 4 Cuban Linx…Pt II” chega aos ouvidos do mundo. Sequência do clássico de mesmo nome lançado nos tempos áureos do Wu-Tang, o disco é concebido já com a monstruosa responsabilidade de fazer jus ao nome e a toda ansiedade que gerou nos fãs de rap.

Infelizmente, não é exagero dizer que o Wu não mantém sua tradição de grandes álbuns há uns dez anos. Os desentendimentos acerca de 8 Diagrams deterioraram ainda mais a imagem do grupo perante os fãs. O próprio Raekwon já parecia desacreditado depois de tantas promessas sobre OB4CL2, que já havia caído no limbo daqueles discos místicos prometidos há séculos, junto com Detox, por exemplo. E, neste cenário tão pessimista, tão desencorajador, eis que Rae faz algo maior do que talvez ele mesmo imaginava: além de ressurgir com um trabalho excelente, recoloca o Wu numa rota razoável e prova que, sim, é possível manter-se fiel a seus fãs e não soar datado.

Conceitualmente, existem algumas diferenças entre a obra prima original e este sucessor. Em 96, Rae era um cara faminto, ávido por mostrar seu valor como artista solo e na metade do caminho rumo a três décadas de vida. Como consequência, seu flow é agressivo, urgente, como se não quisesse perder tempo. Além disso, ele estruturou todo o álbum com base numa espécie de roteiro, no qual ele era o protagonista. Pois alguns fatores mudaram na versão 2009: Rae sonha mais cerebral, mais contemplativo; frequentemente, muda o foco da sua câmera lírica para os personagens da sua quebrada. Afinal, agora ele é um emcee consagrado, com 39 anos – não faria sentido ainda ser o mafioso das suas letras.

Mas se há alguma coisa que ainda continua intacta, é a capacidade de Rae contar boas histórias, de preferência relacionada ao submundo do crime e das drogas. Encare as letras do membro mais obeso do Wu como um bom filme policial, e sério candidato ao Oscar de melhor roteiro. Em alguns momentos, as rimas são tão visuais que é facílimo imaginar a cena. E não é só o conteúdo que é impecável. A forma como Rae estrutura seus versos é elogiável: esqueça o básico modus operandi de rimar as últimas palavras de cada verso; nas histórias construídas apenas para os Cuban Linx, as rimas são internas, surgem três linhas depois, dialogam entre si numa só linha etc. E este tipo de quebra com o padrão, esta forma “móvel” de escrita casa perfeitamente com o storytelling exposto em cada faixa.

Claro, a temática pode soar unidimensional, e de fato é. Porém, entre tantas histórias de crime, sangue e assassinatos, há espaço para entendermos um pouco quem é de fato Shallah Raekwon. “Ason Jones” é uma homenagem emocionante para o falecido Ol’ Dirty Bastard, uma descrição detalhada de ODB sob a ótica de Rae, quase de uma forma reverente e mostrando, nas entrelinhas, as principais lições de Ason: “manter-se real”, algo que seu parceiro mais novo aprendeu perfeitamente. Nota-se também que, se há 14 anos atrás, a postura era de um jovem criminoso pronto para tomar seu bairro de assalto, agora a atitude é outra: a reflexão perante as condições do gueto, a preocupação em alertar os mais jovens, algo que fica visível em faixas como “Cold Outside” e “Have Mercy”. Indo mais fundo, Rae mostra, talvez inconscientemente, como nada mudou em todos esses anos, apenas os atores.

E se liricamente o trabalho atinge o objetivo de ser uma sequência, musicalmente a tarefa não foi tão fácil. Para começar, a divisão de tarefas: sai o monopólio de RZA e entram J-Dilla, Pete Rock, Dr. Dre e outros beatmakers menos conhecidos. Entretanto, a proposta continua sendo o batidão turvo que consagrou o Wu. Com um número relativamente alto de faixas e produtores, fica meio óbvio que aquela coesão de trilha sonora cinematográfica do OB4CL original não seria reeditada. Saem as strings sinistras e pianos atmosféricos, e entra uma plétora de estilos e samples. Mas não se preocupe, as pancadas continuam lá, só não dialogam tanto umas com as outras.

A linha de baixo militar de “House of Flying Daggers” abre o disco dando uma prévia do clima, que tem seguimento em “Gihad”, “New Wu” e “10 Bricks”, e encontra seu ápice na minimalista “We Will Rob You”, com direito a Slick Rick parodiando a clássica “We Will Rock You”, do Queens, e nos violinos triunfantes de “Kiss The Ring”. Existem momentos mais reflexivos, como a ótima “Pyrex Vision”, com um sample sensacional, e “Ason Jones”, uma criação de Dilla que mais remete às faixas soul típicas de Ghostface Killah, com um sample vocal vindo de algum disco soul obscuro e orquestra da mesma origem.

São tantas nuances ao longo do disco que fica difícil falar de tudo. Não se pode esquecer que Rae emprega o mesmo flow e estrutura utilizados em “CREAM” em “Catalina”, um beat apenas regular de Dr. Dre. Aliás, Dre contribuiu com duas batidas absolutamente genéricas de seu catálogo, o que é uma pena. As participações também não podem ser esquecidas: se Rae tornou-se mais cerebral, o inseparável Ghostface manteve o tom emotivo de antes, deu ótimo contraste e confirmou que R.A.G.U. continua sendo uma das melhores duplas do rap. Menção honrosa também para Beanie Sigel e seu verso em “Have Mercy”, escrito como se ele estivesse dentro de uma cela, refletindo sobre como criar seu filho desta maneira, e para Masta Killa em “We Will Rob You”, no melhor estilo “Labels” de GZA, mas usando o nome dos generais do Wu.

Quando o primeiro Only Built 4 Cuban Linx saiu, eu tinha apenas sete anos e, claro, não conhecia o rap. Uma frustração que tenho é não ter vivido a época em que tantos clássicos foram lançados. Mas, com esta sequência poderosíssima, Raekwon me dá a oportunidade de me redimir um pouco e tentar imaginar como deve ter sido o dia 1º de agosto de 1995. O que eu sei é que, em 1º de setembro de 2009, eu puder viver um pouco os tempos em que o Wu estava no auge e dominava o rap. E, só por isso, OB4CL 2 já vale a pena. Mesmo que, daqui a alguns meses, revele-se não tão completo quanto seu sucessor.